Programación

Viernes, 22 Enero, 2021 - 20:30

Burka Teatro presenta "TheRoomToBe"

Sinopsis: ¿Qué pasaría si, de pronto, aparecieras en un lugar inconcreto sin apenas memoria con otros tres personajes en la misma situación? Sólo tienen una batería de recuerdos sin dueño, cuatro reglas básicas y 24 horas para jugar a SER. El tiempo de vida de una ephymera

Burka Teatro presenta "TheRoomToBe"

Sinopsis: ¿Qué pasaría si, de pronto, aparecieras en un lugar inconcreto sin apenas memoria con otros tres personajes en la misma situación? Sólo tienen una batería de recuerdos sin dueño, cuatro reglas básicas y 24 horas para jugar a SER. El tiempo de vida de una ephymera


Domingo, 10 Enero, 2021 - 19:00
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CABRITOFRITO es el alter ego de José Álvarez. Durante más de 25 años guitarrista en Ojalá Muchá .Desde el 2014 emprendió un camino en solitario que desembocó en la edición de su primer disco StrongWind en 2016. Desde entonces ha combinado un repertorio de canciones propias con versiones de temas que lo marcaron y que le plantean el reto de convertirse en intérprete.
 

En julio de 2020 ha terminado de grabar su segundo disco "Piedras Blancas"
Las piedras blancas rezuman cariño, sinceridad, honestidad, fiesta, dudas, nostalgias, creatividad y frescura. Los acordes de siempre, y alguno más rebuscado, trabajados artesanalmente con mimo y oficio, y unas sorprendentes instrumentaciones, que no sabemos de dónde demonios las saca en estos tiempos digitales, dibujan emociones que compartimos contigo al cien por cien: pinares, almendros, timples, amores, confinamientos, personas, grandes y chicas (príncipes de Maine, reinas de Nueva Inglaterra), películas, ecos, ansias, olvidos indeseados, deseos olvidados, carreteras...

 

Cabritofrito es José Álvarez , tocando guitarras eléctricas y acústicas y voz principal. Giovanni Copérnico es Juan Sosa tocando Bajos, guitarras acústicas y Eléctricas ,coros,armónicas y ukeleles. Giuseppe Fabricio Luca Santini es José De la Cruz haciendo baterías ,coros, arreglos y vídeos. Luigi Martorelli es Luis de Paz tocando teclados y pianos.

Con la colaboración especial de María Padrón como corista,  Pablo Rodriguez en el papel de violinista en el tejado y el "Rey en el Norte" Eremiot Rodríguez tocando timple en "polka del Olvido" y guitarra eléctrica en "vámonos pal norte" 

CABRITOFRITO es el alter ego de José Álvarez. Durante más de 25 años guitarrista en Ojalá Muchá .Desde el 2014 emprendió un camino en solitario que desembocó en la edición de su primer disco StrongWind en 2016. Desde entonces ha combinado un repertorio de canciones propias con versiones de temas que lo marcaron y que le plantean el reto de convertirse en intérprete.
 

En julio de 2020 ha terminado de grabar su segundo disco "Piedras Blancas"
Las piedras blancas rezuman cariño, sinceridad, honestidad, fiesta, dudas, nostalgias, creatividad y frescura. Los acordes de siempre, y alguno más rebuscado, trabajados artesanalmente con mimo y oficio, y unas sorprendentes instrumentaciones, que no sabemos de dónde demonios las saca en estos tiempos digitales, dibujan emociones que compartimos contigo al cien por cien: pinares, almendros, timples, amores, confinamientos, personas, grandes y chicas (príncipes de Maine, reinas de Nueva Inglaterra), películas, ecos, ansias, olvidos indeseados, deseos olvidados, carreteras...

 

Cabritofrito es José Álvarez , tocando guitarras eléctricas y acústicas y voz principal. Giovanni Copérnico es Juan Sosa tocando Bajos, guitarras acústicas y Eléctricas ,coros,armónicas y ukeleles. Giuseppe Fabricio Luca Santini es José De la Cruz haciendo baterías ,coros, arreglos y vídeos. Luigi Martorelli es Luis de Paz tocando teclados y pianos.

Con la colaboración especial de María Padrón como corista,  Pablo Rodriguez en el papel de violinista en el tejado y el "Rey en el Norte" Eremiot Rodríguez tocando timple en "polka del Olvido" y guitarra eléctrica en "vámonos pal norte" 


Miércoles, 9 Diciembre, 2020 - 20:30
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El texto, expresamente encargado al dramaturgo Alfonso Zurro, a

partir de una idea de Salvador Collado, es una ficción teatral en

torno a la relación sentimental y epistolar que mantuvieron Benito

Pérez Galdós y Emilia Pardo Bazán.

La relación entre estos dos gigantes de la literatura española

quedó reflejada, y bastante bien detallada, en la correspondencia

que se intercambiaron. Sin embargo ocurre una circunstancia que

la hace extraordinaria: las cartas que ella le escribió a él se

conservan en la Casa-Museo de Pérez Galdós de Las Palmas de Gran

Canaria; mientras que las de él, han desaparecido.

Su extravío o destrucción sigue dando pie a rumores y

extraordinarias invenciones sobre el destino que han podido

correr y son la base de ficción de esta obra que interpretarán dos

grandes de la escena española: Emilio Gutiérrez Caba y María

José Goyanes.

En torno a estas circunstancias se teje el armazón de la pieza que

no pretende ser una biografía de estas dos grandes

personalidades literarias sino inventar una ficción sobre su mutua

admiración, enamoramiento y la correspondencia que

mantuvieron.

El texto, expresamente encargado al dramaturgo Alfonso Zurro, a

partir de una idea de Salvador Collado, es una ficción teatral en

torno a la relación sentimental y epistolar que mantuvieron Benito

Pérez Galdós y Emilia Pardo Bazán.

La relación entre estos dos gigantes de la literatura española

quedó reflejada, y bastante bien detallada, en la correspondencia

que se intercambiaron. Sin embargo ocurre una circunstancia que

la hace extraordinaria: las cartas que ella le escribió a él se

conservan en la Casa-Museo de Pérez Galdós de Las Palmas de Gran

Canaria; mientras que las de él, han desaparecido.

Su extravío o destrucción sigue dando pie a rumores y

extraordinarias invenciones sobre el destino que han podido

correr y son la base de ficción de esta obra que interpretarán dos

grandes de la escena española: Emilio Gutiérrez Caba y María

José Goyanes.

En torno a estas circunstancias se teje el armazón de la pieza que

no pretende ser una biografía de estas dos grandes

personalidades literarias sino inventar una ficción sobre su mutua

admiración, enamoramiento y la correspondencia que

mantuvieron.


Miércoles, 25 Noviembre, 2020 - 20:30
 
El Festival Internacional de Cine Medioambiental de Canarias viajará hasta Santa Cruz de La Palma este mes de noviembre. La ciudad de la Isla Bonita será la primera parada de la itinerancia del certamen cinematográfico.
 
'Sibel', un largometraje de ficción de Çagla Zencirci y Guillaume Giovanetti que narra la historia de una joven de 25 años que perdió el habla durante su niñez y que se comunica con silbidos. Para evitar la sensación de soledad trabaja duramente en el campo, donde vive alejada de la sociedad con su padre. Sus directores tienen base en París y Estambul y han dirigido diversos cortometrajes en Oeste Medio, Europa, Asia central y en Extremo Oriente, entre ellas 'Ata' y 'Six', seleccionadas en más de 200 festivales de todo el mundo y premiadas en más de 40 ocasiones.
 
El Festival Internacional de Cine Medioambiental de Canarias viajará hasta Santa Cruz de La Palma este mes de noviembre. La ciudad de la Isla Bonita será la primera parada de la itinerancia del certamen cinematográfico.
 
'Sibel', un largometraje de ficción de Çagla Zencirci y Guillaume Giovanetti que narra la historia de una joven de 25 años que perdió el habla durante su niñez y que se comunica con silbidos. Para evitar la sensación de soledad trabaja duramente en el campo, donde vive alejada de la sociedad con su padre. Sus directores tienen base en París y Estambul y han dirigido diversos cortometrajes en Oeste Medio, Europa, Asia central y en Extremo Oriente, entre ellas 'Ata' y 'Six', seleccionadas en más de 200 festivales de todo el mundo y premiadas en más de 40 ocasiones.

Martes, 24 Noviembre, 2020 - 20:30
El Festival Internacional de Cine Medioambiental de Canarias viajará hasta Santa Cruz de La Palma este mes de noviembre. La ciudad de la Isla Bonita será la primera parada de la itinerancia del certamen cinematográfico.
 
 'The Price Of Progress' de Víctor Luengo, la cinta que se hizo con el Brote al mejor largometraje documental en la última edición del festival. Es un retrato de la industria alimentaria y cuáles son las prioridades. Además, plantea otras preguntas tales como cuál es el precio a pagar por todos, qué es lo que hay en juego detrás del debate alimentario o qué es prioritario: poder, dinero o salud. Víctor Luengo ha trabajado como periodista y fotógrafo en Latinoamérica, Camboya, Madagascar y en España. Además, ha sido editor de prensa asociado a agencias como Magnum, Seven o AFP. Actualmente, realiza vídeos y reportajes publicitarios o corporativos para clientes muy diversos.
 
El Festival Internacional de Cine Medioambiental de Canarias viajará hasta Santa Cruz de La Palma este mes de noviembre. La ciudad de la Isla Bonita será la primera parada de la itinerancia del certamen cinematográfico.
 
 'The Price Of Progress' de Víctor Luengo, la cinta que se hizo con el Brote al mejor largometraje documental en la última edición del festival. Es un retrato de la industria alimentaria y cuáles son las prioridades. Además, plantea otras preguntas tales como cuál es el precio a pagar por todos, qué es lo que hay en juego detrás del debate alimentario o qué es prioritario: poder, dinero o salud. Víctor Luengo ha trabajado como periodista y fotógrafo en Latinoamérica, Camboya, Madagascar y en España. Además, ha sido editor de prensa asociado a agencias como Magnum, Seven o AFP. Actualmente, realiza vídeos y reportajes publicitarios o corporativos para clientes muy diversos.
 

Viernes, 4 Diciembre, 2020 - 20:30

Coproducido por unahoramenos y el Teatro Pérez Galdós, ‘El último viaje de Galdós’ es un convincente y conmovedor retrato humano que aborda, desde la ficción, los últimos días de un Galdós anciano que busca reconciliarse con las principales mujeres que transitaron por su agitada vida.



Interpretado por un elenco coral de actores y actrices integrado por Lili Quintana (Dolores), Ruth Sánchez (Emilia), Marta Viera (Conchita), Maday Méndez (Lorenza), Alicia Ramos (Sisita), José Luis Massó (El señor circunspecto) y Rubén Darío (Benito Pérez Galdós), ‘El último viaje de Galdós’ cierra la trilogía planteada desde 2018 por el denominado ‘Laboratorio Galdós’, un proyecto de experimentación escénica que en los próximos tres años se refundará con una dimensión más internacional para vincularse, desde Gran Canaria, a teatros y espacios escénicos de Europa (Francia), África (Burkina Faso) y América Latina (Colombia).



Como señala su director, Mario Vega, “la obra realiza un recorrido por los delirios de una Galdós muy viejo y al borde de la muerte, cuyos últimos minutos los comparte con los espíritus de las mujeres que marcaron su vida, desde su madre Dolores a su prima Sisita, pasando por Lorenza Cobián, madre de su única hija, Emilia Pardo Bazán, Concha Morell y Francisco, que realiza su último viaje con él”.

Coproducido por unahoramenos y el Teatro Pérez Galdós, ‘El último viaje de Galdós’ es un convincente y conmovedor retrato humano que aborda, desde la ficción, los últimos días de un Galdós anciano que busca reconciliarse con las principales mujeres que transitaron por su agitada vida.



Interpretado por un elenco coral de actores y actrices integrado por Lili Quintana (Dolores), Ruth Sánchez (Emilia), Marta Viera (Conchita), Maday Méndez (Lorenza), Alicia Ramos (Sisita), José Luis Massó (El señor circunspecto) y Rubén Darío (Benito Pérez Galdós), ‘El último viaje de Galdós’ cierra la trilogía planteada desde 2018 por el denominado ‘Laboratorio Galdós’, un proyecto de experimentación escénica que en los próximos tres años se refundará con una dimensión más internacional para vincularse, desde Gran Canaria, a teatros y espacios escénicos de Europa (Francia), África (Burkina Faso) y América Latina (Colombia).



Como señala su director, Mario Vega, “la obra realiza un recorrido por los delirios de una Galdós muy viejo y al borde de la muerte, cuyos últimos minutos los comparte con los espíritus de las mujeres que marcaron su vida, desde su madre Dolores a su prima Sisita, pasando por Lorenza Cobián, madre de su única hija, Emilia Pardo Bazán, Concha Morell y Francisco, que realiza su último viaje con él”.


Domingo, 27 Diciembre, 2020 - 20:00

 Troveros de Asieta celebra la XXI edición de su Festival de Navidad en el Teatro Circo de Marte de Santa Cruz de La Palma. Este año el Grupo cuenta con la colaboración de Mayelín, una cantante con el encanto y el carisma de las grandes divas de Cuba, poseedora de una gran voz y una trayectoria brillante. En 1994 el jurado nacional de la música de Cuba le otorgó la titulación de Cantante de música popular de Primer Nivel. Comienza su carrera profesional en Cuba con la orquesta de Cándido Fabré. A España llega de la mano del sello Eurotropical, presentando en 1999 su primer disco acompañada por Celia Cruz quién elogia la voz y el estilo de Mayelín, disco que cuenta con varios temas que alcanzaron la preferencia del público, siendo invitada por Miguel Bosé, al programa de TVE, “ Séptimo de Caballería”. Se ha presentado en numerosos festivales y en distintos eventos internacionales, compartiendo escenario con prestigiosas figuras de la música cubana como Compáy Segundo, El Guayabero, Pancho Céspedes, Willy Chirino, Issac Delgado, Elena Burke, La Orquesta Aragón, y otros intérpretes como Oscar D´Léon, Tito Nieves o Gilberto Santa Rosa. Cuenta con tres trabajos discográficos y se encuentra preparando en la actualidad un nuevo CD. 

 

          Troveros de Asieta cuenta con nueve trabajos discográficos publicados hasta la fecha, “Tradicional” (1994), “Vamos a hacerlo bueno” (1997), “Siempre sonriendo” (2001)  “Bailando con Lecuona” (2004), “Aquí en la Isla” (2008), “Troveros de Asieta 20 Años – 2 CDs” (2011) y “El son tiene duende” (2014), “Querida Cuba” (2017) e “Influencias del Latin Jazz” (2020), que ha presentado por toda Canarias, así como por el territorio peninsular y el extranjero. En varias ocasiones Troveros de Asieta ha sido elogiado por la crítica especializada, considerándolo como una de las formaciones más relevantes de la música cubana hecha en España y Europa. Con el Grupo han colaborado de forma estrecha artistas del prestigio de Manolito Simonet (Cuba), Alfredo Valdés Jr. (Cuba-Nueva York), Albita Rodríguez (Cuba-Miami), Pancho Amat (Cuba), Lucrecia (Cuba-España), Martirio (España) y Raimundo Amador (España)  Braulio (España)  y ha compartido cartel con figuras como, Cachao, Olga Guillot, Pastora Soler, Caco Senante, Ketama, Sole Giménez, Yerbabuena, Septeto Nacional, Septeto Habanero, Sierra Maestra, Eliades Ochoa, Septeto Turquino, Septeto Naborit o Conjunto Jóvenes Clásicos del Son, así como con los grupos e intérpretes más destacados del panorama musical canario.

 

          En octubre de este 2020, Troveros ha lanzado al mercado su noveno trabajo discográfico “Influencias del Latin Jazz”.

 

          En esta XXI edición del Festival se unen por primera vez en un escenario, Mayelín y Troveros de Asieta, en una puesta en escena muy esperada por los seguidores del Festival y los amantes de la música cubana, que seguro hará vibrar al público asistente al concierto. 

 Troveros de Asieta celebra la XXI edición de su Festival de Navidad en el Teatro Circo de Marte de Santa Cruz de La Palma. Este año el Grupo cuenta con la colaboración de Mayelín, una cantante con el encanto y el carisma de las grandes divas de Cuba, poseedora de una gran voz y una trayectoria brillante. En 1994 el jurado nacional de la música de Cuba le otorgó la titulación de Cantante de música popular de Primer Nivel. Comienza su carrera profesional en Cuba con la orquesta de Cándido Fabré. A España llega de la mano del sello Eurotropical, presentando en 1999 su primer disco acompañada por Celia Cruz quién elogia la voz y el estilo de Mayelín, disco que cuenta con varios temas que alcanzaron la preferencia del público, siendo invitada por Miguel Bosé, al programa de TVE, “ Séptimo de Caballería”. Se ha presentado en numerosos festivales y en distintos eventos internacionales, compartiendo escenario con prestigiosas figuras de la música cubana como Compáy Segundo, El Guayabero, Pancho Céspedes, Willy Chirino, Issac Delgado, Elena Burke, La Orquesta Aragón, y otros intérpretes como Oscar D´Léon, Tito Nieves o Gilberto Santa Rosa. Cuenta con tres trabajos discográficos y se encuentra preparando en la actualidad un nuevo CD. 

 

          Troveros de Asieta cuenta con nueve trabajos discográficos publicados hasta la fecha, “Tradicional” (1994), “Vamos a hacerlo bueno” (1997), “Siempre sonriendo” (2001)  “Bailando con Lecuona” (2004), “Aquí en la Isla” (2008), “Troveros de Asieta 20 Años – 2 CDs” (2011) y “El son tiene duende” (2014), “Querida Cuba” (2017) e “Influencias del Latin Jazz” (2020), que ha presentado por toda Canarias, así como por el territorio peninsular y el extranjero. En varias ocasiones Troveros de Asieta ha sido elogiado por la crítica especializada, considerándolo como una de las formaciones más relevantes de la música cubana hecha en España y Europa. Con el Grupo han colaborado de forma estrecha artistas del prestigio de Manolito Simonet (Cuba), Alfredo Valdés Jr. (Cuba-Nueva York), Albita Rodríguez (Cuba-Miami), Pancho Amat (Cuba), Lucrecia (Cuba-España), Martirio (España) y Raimundo Amador (España)  Braulio (España)  y ha compartido cartel con figuras como, Cachao, Olga Guillot, Pastora Soler, Caco Senante, Ketama, Sole Giménez, Yerbabuena, Septeto Nacional, Septeto Habanero, Sierra Maestra, Eliades Ochoa, Septeto Turquino, Septeto Naborit o Conjunto Jóvenes Clásicos del Son, así como con los grupos e intérpretes más destacados del panorama musical canario.

 

          En octubre de este 2020, Troveros ha lanzado al mercado su noveno trabajo discográfico “Influencias del Latin Jazz”.

 

          En esta XXI edición del Festival se unen por primera vez en un escenario, Mayelín y Troveros de Asieta, en una puesta en escena muy esperada por los seguidores del Festival y los amantes de la música cubana, que seguro hará vibrar al público asistente al concierto. 


Sábado, 19 Diciembre, 2020 - 20:30

El Fado se confunde con la vida. Y Camané se confunde con el Fado! Camané dispensa presentaciones estelares. Demostrando uma rara sensibilidad musical, Camané continua afirmándose como una voz única en el arte de cantar el Fado. Uno de los fadistas más aclamados a nivel nacional e internacional. 

 

Desde 1995, los discos de Camané se vuelven verdaderos sucesos, todos ellos con características propias y bien definidas.
En 2013 hizo una perspectiva en su carrera musical, editando una colección con algunos de sus sucesos; así, Camané regresó a las grandes salas de Portugal para presentar “O Melhor 1995-2012”. 

 

En Abril de 2013 agotó el Grande Auditório do CCB, en septiembre llevó su firma al público del Festival Caixa Alfama y en Noviembre volvió a repetir la proeza de 2008 y llenó el Coliseu dos Recreios, dando um concerto con invitados especiales, que quedará pata siempre en la historia del Fado. 

 

En 2014 realizó una gira por quince ciudades portuguesas, un tour europeo (en países como Alemania y Macedonia, entre otros) y también en los Estados Unidos.

 

El año 2015 comienza con 2 conciertos en el “Merida Fest “ en México, donde actúa por primera vez. En Marzo regresa a los Estados Unidos y a Canadá. 6 concertos, 6 teatros llenos, Sold Out. La gira pasó por New Bedford, New Jersey y San Francisco. En los Estados Unidos fue destaque para los concertos en el NJPAC y en el SFJAZZ, donde el público quedó rendido por su emoción y autenticidad encima del escenario. En Canadá, sus conciertos en las las ciudades de Toronto, Montreal y Vancúver también sobrepasaron todas las expectativas. 

 

Camané, nombre referencia única de la historia del fado, es hoy una de las principales referencias para la nueva generación de fadistas y para el panorama musical portugués en general.

El Fado se confunde con la vida. Y Camané se confunde con el Fado! Camané dispensa presentaciones estelares. Demostrando uma rara sensibilidad musical, Camané continua afirmándose como una voz única en el arte de cantar el Fado. Uno de los fadistas más aclamados a nivel nacional e internacional. 

 

Desde 1995, los discos de Camané se vuelven verdaderos sucesos, todos ellos con características propias y bien definidas.
En 2013 hizo una perspectiva en su carrera musical, editando una colección con algunos de sus sucesos; así, Camané regresó a las grandes salas de Portugal para presentar “O Melhor 1995-2012”. 

 

En Abril de 2013 agotó el Grande Auditório do CCB, en septiembre llevó su firma al público del Festival Caixa Alfama y en Noviembre volvió a repetir la proeza de 2008 y llenó el Coliseu dos Recreios, dando um concerto con invitados especiales, que quedará pata siempre en la historia del Fado. 

 

En 2014 realizó una gira por quince ciudades portuguesas, un tour europeo (en países como Alemania y Macedonia, entre otros) y también en los Estados Unidos.

 

El año 2015 comienza con 2 conciertos en el “Merida Fest “ en México, donde actúa por primera vez. En Marzo regresa a los Estados Unidos y a Canadá. 6 concertos, 6 teatros llenos, Sold Out. La gira pasó por New Bedford, New Jersey y San Francisco. En los Estados Unidos fue destaque para los concertos en el NJPAC y en el SFJAZZ, donde el público quedó rendido por su emoción y autenticidad encima del escenario. En Canadá, sus conciertos en las las ciudades de Toronto, Montreal y Vancúver también sobrepasaron todas las expectativas. 

 

Camané, nombre referencia única de la historia del fado, es hoy una de las principales referencias para la nueva generación de fadistas y para el panorama musical portugués en general.


Viernes, 11 Diciembre, 2020 - 20:30

Con `Amor infinito´, Luis nos ofrece un repertorio más personal, más íntimo, donde se mueve entre recuerdos, sentimientos y algunas de sus composiciones más populares. El repertorio se nutre principalmente de las canciones que componen su nuevo disco homónimo, sus otros dos discos en solitario, a las que suma versiones muy personales de canciones de autores que le han influido a lo largo de su carrera. Y por supuesto, algunos de los temas más conocidos que compuso para Taburiente.



El formato de este espectáculo se mueve entre la intimidad y la fuerza que caracteriza su voz, acompañado de piano, percusión, bajo y guitarra, creando un espacio en que el público pasa a formar parte casi del espectáculo.

Con `Amor infinito´, Luis nos ofrece un repertorio más personal, más íntimo, donde se mueve entre recuerdos, sentimientos y algunas de sus composiciones más populares. El repertorio se nutre principalmente de las canciones que componen su nuevo disco homónimo, sus otros dos discos en solitario, a las que suma versiones muy personales de canciones de autores que le han influido a lo largo de su carrera. Y por supuesto, algunos de los temas más conocidos que compuso para Taburiente.



El formato de este espectáculo se mueve entre la intimidad y la fuerza que caracteriza su voz, acompañado de piano, percusión, bajo y guitarra, creando un espacio en que el público pasa a formar parte casi del espectáculo.


Sábado, 28 Noviembre, 2020 - 17:15
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"Flip descubre las estaciones"

Espectáculo para bebés (de 0 a 4 años)

Un músico, una bailarina, una actriz y un titiritero son los peculiares compañeros de viaje del pequeño FLIP, un personaje que ve por primera vez el mundo y experimenta las sensaciones que éste puede ofrecerle.
Melodías en directo, colores, olores, texturas, danza, malabares e interacción estarán enmarcados en un ambiente cuidado al detalle, donde los vestuarios, la música, la iluminación y la puesta en escena están sincronizados y creados específicamente para los más pequeños de la familia, lo que hará que esta primera experiencia teatral sea inolvidable.
Vamos a sumergirnos en un mundo mágico que nos transportará por las cuatro estaciones del año y conseguirá que grandes y pequeños disfruten al máximo descubriendo a través de los sentidos un mar de emociones.
¡ÚLTIMA PARADA! ¡PASAJEROS AL TREN!
Entrada doble 6 euros
"Flip descubre las estaciones"

Espectáculo para bebés (de 0 a 4 años)

Un músico, una bailarina, una actriz y un titiritero son los peculiares compañeros de viaje del pequeño FLIP, un personaje que ve por primera vez el mundo y experimenta las sensaciones que éste puede ofrecerle.
Melodías en directo, colores, olores, texturas, danza, malabares e interacción estarán enmarcados en un ambiente cuidado al detalle, donde los vestuarios, la música, la iluminación y la puesta en escena están sincronizados y creados específicamente para los más pequeños de la familia, lo que hará que esta primera experiencia teatral sea inolvidable.
Vamos a sumergirnos en un mundo mágico que nos transportará por las cuatro estaciones del año y conseguirá que grandes y pequeños disfruten al máximo descubriendo a través de los sentidos un mar de emociones.
¡ÚLTIMA PARADA! ¡PASAJEROS AL TREN!
Entrada doble 6 euros

Miércoles, 21 Octubre, 2020 - 20:30

ODE TO PHANES (10’)
Berlín, Alemania / Berlin, Germany
Creadora / Created by> Alma Edelstein
Intérpretes / Performed by> Melissa Kieffer & Susanna Yliskosky
Música / Music> Jóhann Jóhannsson “Heptapod B”, Max Cooper “Order from Chaos”.
“Este trabajo se inspira en la simbología arquetípica de diferentes mitos. Enfocándose particularmente en aquellos que transmiten un mensaje sobre el ciclo de la vida y la muerte como el Órfico Fanes que según relata, nació del “Huevo cósmico” como una deidad hermafrodita que dió luz al universo. “Ode to Phanes” se apoya en esta narrativa para crear una atmósfera metafórica que habla de dinámicas universales como la dualidad, unidad y comunión. De esta manera, la obra ofrece una experiencia corpórea de una memoria inmensamente sanadora pero olvidada desde hace mucho y que todos los humanos conservan a nivel inconsciente; sentirse completo e indivisible, totalmente dotado y en paz dentro del vientre materno”.

BOLERO (15’)
Esch sur Alzette, Luxemburgo / Esch sur Alzette, Luxembourg
Creadora / Created by> Jill Crovisier
Intérprete / Performed by> William Cardoso
Música / Music> Maurice Ravel “Boléro”
Vestuario / Costumes> Jill Crovisier
Iluminación / Lighting Design> Krischan Kriesten
Producción / Production> JC movement production
“El BOLERO de Jill Crovisier es un viaje rítmico y personal de un hombre que encuentra lentamente su voz interior en su propio territorio. En comparación con el círculo de la vida, los patines se convierten en símbolo del rápido progreso en nuestro mundo, de la incertidumbre y la inestabilidad que conlleva, pero también del control y la persistencia. El bailarín te llevará en un poderoso paseo en la obra maestra de Ravel”

HITO. 人 (14’)
Badajoz, España / Badajoz, Spain
Creadores & Intérpretes / Created & Performed by> Chey Jurado & Akira Yoshida
Música Original / Original Music> Mountains Made of Steam “A Silver Mt. Zion”
Vestuario & Iluminación / Costumes & Lighting Design> Chey Jurado & Akira
Yoshida
“Dos personas prestando y atendiendo a lo que les asemeja, buscando algo, algo que ya tienen pero no por ello pierden el gusto de buscarlo, transitando y alimentando la emoción que nace de su nexo desde lo simple hacia lo simplemente complejo... buscar hasta perder el norte, y ahí, volver a encontrar: el viaje entre personas (Hito)”

CRISALIDE (10’)
Vittoria, Italia / Vittoria, Italy
Creador / Created by> Giovanni Insaudo
Intérprete / Performed by> Yadira Rodríguez
Música / Music> Chip Taylor “On The Radio”, 기택의 전두엽 “The Frontal Lobe of Ki
Taek”
Vestuario & Iluminación / Costumes & Lighting Design> Giovanni Insaudo
“¿Qué es el reposo del movimiento corporal de un bailarín sino la inactividad aparente que una crisálida nos permite ver? CRISALIDE es el término italiano para definir la fase anterior a la transformación de la larva en mariposa. El artista abre sus alas mostrando su resultado al final y se alardea de su obra, ya terminada. Pues no debemos de olvidar que antes de ser mariposa la crisálida fue larva, demostrando la importancia del recorrido ante su resultado final”.

ODE TO PHANES (10’)
Berlín, Alemania / Berlin, Germany
Creadora / Created by> Alma Edelstein
Intérpretes / Performed by> Melissa Kieffer & Susanna Yliskosky
Música / Music> Jóhann Jóhannsson “Heptapod B”, Max Cooper “Order from Chaos”.
“Este trabajo se inspira en la simbología arquetípica de diferentes mitos. Enfocándose particularmente en aquellos que transmiten un mensaje sobre el ciclo de la vida y la muerte como el Órfico Fanes que según relata, nació del “Huevo cósmico” como una deidad hermafrodita que dió luz al universo. “Ode to Phanes” se apoya en esta narrativa para crear una atmósfera metafórica que habla de dinámicas universales como la dualidad, unidad y comunión. De esta manera, la obra ofrece una experiencia corpórea de una memoria inmensamente sanadora pero olvidada desde hace mucho y que todos los humanos conservan a nivel inconsciente; sentirse completo e indivisible, totalmente dotado y en paz dentro del vientre materno”.

BOLERO (15’)
Esch sur Alzette, Luxemburgo / Esch sur Alzette, Luxembourg
Creadora / Created by> Jill Crovisier
Intérprete / Performed by> William Cardoso
Música / Music> Maurice Ravel “Boléro”
Vestuario / Costumes> Jill Crovisier
Iluminación / Lighting Design> Krischan Kriesten
Producción / Production> JC movement production
“El BOLERO de Jill Crovisier es un viaje rítmico y personal de un hombre que encuentra lentamente su voz interior en su propio territorio. En comparación con el círculo de la vida, los patines se convierten en símbolo del rápido progreso en nuestro mundo, de la incertidumbre y la inestabilidad que conlleva, pero también del control y la persistencia. El bailarín te llevará en un poderoso paseo en la obra maestra de Ravel”

HITO. 人 (14’)
Badajoz, España / Badajoz, Spain
Creadores & Intérpretes / Created & Performed by> Chey Jurado & Akira Yoshida
Música Original / Original Music> Mountains Made of Steam “A Silver Mt. Zion”
Vestuario & Iluminación / Costumes & Lighting Design> Chey Jurado & Akira
Yoshida
“Dos personas prestando y atendiendo a lo que les asemeja, buscando algo, algo que ya tienen pero no por ello pierden el gusto de buscarlo, transitando y alimentando la emoción que nace de su nexo desde lo simple hacia lo simplemente complejo... buscar hasta perder el norte, y ahí, volver a encontrar: el viaje entre personas (Hito)”

CRISALIDE (10’)
Vittoria, Italia / Vittoria, Italy
Creador / Created by> Giovanni Insaudo
Intérprete / Performed by> Yadira Rodríguez
Música / Music> Chip Taylor “On The Radio”, 기택의 전두엽 “The Frontal Lobe of Ki
Taek”
Vestuario & Iluminación / Costumes & Lighting Design> Giovanni Insaudo
“¿Qué es el reposo del movimiento corporal de un bailarín sino la inactividad aparente que una crisálida nos permite ver? CRISALIDE es el término italiano para definir la fase anterior a la transformación de la larva en mariposa. El artista abre sus alas mostrando su resultado al final y se alardea de su obra, ya terminada. Pues no debemos de olvidar que antes de ser mariposa la crisálida fue larva, demostrando la importancia del recorrido ante su resultado final”.


Viernes, 23 Octubre, 2020 - 20:30

LEO BASSI
“YO, MUSSOLINI” es una obra provocadora y divertida, concebida e interpretada por Leo Bassi, y pensada para generar optimismo y dar al público que sale del teatro ganas de resistir, o mejor: ¡risistir! con inteligencia a la intolerancia. Mezclando el chiste y la provocación con una reflexión profunda sobre la manipulación política, propone la risa y el pensamiento positivo como antídoto contra el fascismo.
“Yo, Mussolini” mezcla el chiste y la provocación fácil con una reflexión profunda sobre la manipulación política, un ejercicio artístico que toca la esencia del Arte bufonesco. Al final, el mejor antídoto contra el fascismo es la risa y el pensamiento positivo. Sin su capacidad de generar miedo, el totalitarismo se queda en nada.

LEO BASSI
“YO, MUSSOLINI” es una obra provocadora y divertida, concebida e interpretada por Leo Bassi, y pensada para generar optimismo y dar al público que sale del teatro ganas de resistir, o mejor: ¡risistir! con inteligencia a la intolerancia. Mezclando el chiste y la provocación con una reflexión profunda sobre la manipulación política, propone la risa y el pensamiento positivo como antídoto contra el fascismo.
“Yo, Mussolini” mezcla el chiste y la provocación fácil con una reflexión profunda sobre la manipulación política, un ejercicio artístico que toca la esencia del Arte bufonesco. Al final, el mejor antídoto contra el fascismo es la risa y el pensamiento positivo. Sin su capacidad de generar miedo, el totalitarismo se queda en nada.


Viernes, 6 Noviembre, 2020 - 20:30, Sábado, 7 Noviembre, 2020 - 20:30, Domingo, 8 Noviembre, 2020 - 20:30
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Esta obra se centra en las hazañas amorosas de un caballero, don Juan Tenorio, que valiéndose de su ingenio y su buena presencia, engaña a cuanta doncella y dama bella se le pone al alcance y también a sus padres y pretendientes. Se nos cuenta en esta obra como debe huir de Nápoles por una de sus afrentas y como en su viaje a Sevilla realiza otros engaños. En uno de ellos da muerte al padre de la engañada y luego el padre vuelve de la tumba para vengarse y llevarse consigo a don Juan. En esta propuesta, vamos a desmitificar al mito, vamos a radiografiar al protagonista, sus comportamientos, sus acciones, sus palabras, para mostrar lo que siempre ha existido tras ellas: un modelo de destrucción, de falta de empatía, de crueldad, de desprecio por la vida propia y ajena, de incapacidad para construir… Tenorio no es un héroe. Es alguien que huye de su propio vacío, llevándose por delante todo aquello que se cruce en su camino. No es un luchador en busca de un mundo mejor, de un cambio en el sistema, no es un buscador de belleza. Tenorio es hoy el vivo retrato del desprecio por los demás. En un mundo donde la violación de las leyes, la violencia de género, la destrucción de los valores morales y éticos van en aumento, Tenorio debe dejar de ser un modelo a seguir.

Autores Tirso, Zorrilla y Mòlliere

Adaptación y dirección Carlos De León

 

Reparto:
 
Javier De León
Alba Cabrera
Diego Santos
Rafael Díez-Labín
Andrea Pérez Orribo
Amina León
Carlos De León

 

Esta obra se centra en las hazañas amorosas de un caballero, don Juan Tenorio, que valiéndose de su ingenio y su buena presencia, engaña a cuanta doncella y dama bella se le pone al alcance y también a sus padres y pretendientes. Se nos cuenta en esta obra como debe huir de Nápoles por una de sus afrentas y como en su viaje a Sevilla realiza otros engaños. En uno de ellos da muerte al padre de la engañada y luego el padre vuelve de la tumba para vengarse y llevarse consigo a don Juan. En esta propuesta, vamos a desmitificar al mito, vamos a radiografiar al protagonista, sus comportamientos, sus acciones, sus palabras, para mostrar lo que siempre ha existido tras ellas: un modelo de destrucción, de falta de empatía, de crueldad, de desprecio por la vida propia y ajena, de incapacidad para construir… Tenorio no es un héroe. Es alguien que huye de su propio vacío, llevándose por delante todo aquello que se cruce en su camino. No es un luchador en busca de un mundo mejor, de un cambio en el sistema, no es un buscador de belleza. Tenorio es hoy el vivo retrato del desprecio por los demás. En un mundo donde la violación de las leyes, la violencia de género, la destrucción de los valores morales y éticos van en aumento, Tenorio debe dejar de ser un modelo a seguir.

Autores Tirso, Zorrilla y Mòlliere

Adaptación y dirección Carlos De León

 

Reparto:
 
Javier De León
Alba Cabrera
Diego Santos
Rafael Díez-Labín
Andrea Pérez Orribo
Amina León
Carlos De León

 


Martes, 4 Agosto, 2020 - 21:00
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Es un espectáculo principalmente de danza ambientado en clubs argentinos a mediados del siglo XX hasta la actualidad.

El conductor del show, cantinero del club y cantante, nos cuenta los entresijos e historias de amores y desamores, encuentros y desencuentros propios de la época, a través de la musicalidad y la danza del tango.

Para ello contará con dos parejas de baile.

Venta de entradas en www.entrees.es y en taquilla. 10 euros

Es un espectáculo principalmente de danza ambientado en clubs argentinos a mediados del siglo XX hasta la actualidad.

El conductor del show, cantinero del club y cantante, nos cuenta los entresijos e historias de amores y desamores, encuentros y desencuentros propios de la época, a través de la musicalidad y la danza del tango.

Para ello contará con dos parejas de baile.

Venta de entradas en www.entrees.es y en taquilla. 10 euros


Viernes, 17 Julio, 2020 - 20:30

Carlos Catana (voz) Margarita Galván ( piano) . El espectáculo que presentan estos dos artistas de amplio recorrido dentro de la música en Canarias , habla de la vida , de la carretera , de la poesía de Félix Francisco Casanova donde el también poeta y músico de rock Carlos Catana ha trabajado la poesía simbolista de Félix durante más de quince años y ha puesto música a muchos de sus poemas. Simbiosis entre poesía y música , entre piano y voz donde Margarita Galván funde la poesía en el piano de estilo impresionista. Ademas de los poemas de Félix podremos escuchar también canciones emblemáticas de toda la trayectoria artística de Carlos Catana. En estos tiempos convulsos , ambos artistas , Marga Galván y Carlos Catana , apuestan por la palabra , por la poesía acompañada de música , por el arte como medio indispensable de comunicación y crecimiento de la humanidad.

Carlos Catana (voz) Margarita Galván ( piano) . El espectáculo que presentan estos dos artistas de amplio recorrido dentro de la música en Canarias , habla de la vida , de la carretera , de la poesía de Félix Francisco Casanova donde el también poeta y músico de rock Carlos Catana ha trabajado la poesía simbolista de Félix durante más de quince años y ha puesto música a muchos de sus poemas. Simbiosis entre poesía y música , entre piano y voz donde Margarita Galván funde la poesía en el piano de estilo impresionista. Ademas de los poemas de Félix podremos escuchar también canciones emblemáticas de toda la trayectoria artística de Carlos Catana. En estos tiempos convulsos , ambos artistas , Marga Galván y Carlos Catana , apuestan por la palabra , por la poesía acompañada de música , por el arte como medio indispensable de comunicación y crecimiento de la humanidad.


Jueves, 11 Junio, 2020 - 18:00, Viernes, 12 Junio, 2020 - 18:00, Sábado, 13 Junio, 2020 - 18:00, Domingo, 14 Junio, 2020 - 18:00
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Tal vez soñar’ aprovecha que los sueños y la magia van de la mano para
poner en escena un espectáculo mortal. De esa mezcla que anida en la
mente humana nace el personaje Inma, quien a pesar de fallecer mantiene
una relación estrecha con los seres vivos. Se aparece en los sueños de
aquellos que la quisieron y de todos aquellos que la mantienen en el
recuerdo y se niegan a olvidarla. Es una obra que se mueve en la
estrecha línea que separa la vida de la muerte y del amor que perdura
para siempre.
‘Tal vez soñar’ está dirigida por Mario Vega y el reparto está formado
por la actriz Marta Viera y por los actores Miguel Ángel Maciel y Maykol
Hernández. La dirección de audiovisuales ha sido una responsabilidad de
Juan Carlos Cruz.

Esta obra es “una nueva demostración del talento indiscutible de un dramaturgo de nuestra ciudad con reconocimiento internacional, como es Antonio Tabares, galardonado en múltiples ocasiones y con textos que se han traducido al inglés, italiano, griego, rumano y serbio”.

Tal vez soñar’ aprovecha que los sueños y la magia van de la mano para
poner en escena un espectáculo mortal. De esa mezcla que anida en la
mente humana nace el personaje Inma, quien a pesar de fallecer mantiene
una relación estrecha con los seres vivos. Se aparece en los sueños de
aquellos que la quisieron y de todos aquellos que la mantienen en el
recuerdo y se niegan a olvidarla. Es una obra que se mueve en la
estrecha línea que separa la vida de la muerte y del amor que perdura
para siempre.
‘Tal vez soñar’ está dirigida por Mario Vega y el reparto está formado
por la actriz Marta Viera y por los actores Miguel Ángel Maciel y Maykol
Hernández. La dirección de audiovisuales ha sido una responsabilidad de
Juan Carlos Cruz.

Esta obra es “una nueva demostración del talento indiscutible de un dramaturgo de nuestra ciudad con reconocimiento internacional, como es Antonio Tabares, galardonado en múltiples ocasiones y con textos que se han traducido al inglés, italiano, griego, rumano y serbio”.


Sábado, 30 Mayo, 2020 - 11:00

"Canarias" del autor palmero Antonio Tabares, fue representada por los alumnos de La Escuela Municipal de Teatro Pilar Rey en lulio de 2013 en el Teatro Circo de Marte como proyecto de fin de curso. Dirigida por Carlos de León, la obra es un tapíz en clave de comedia negra que retrata las situaciones más variopintas derivadas de nuestra insularidad.

Reparto:
Olga Reinoso
Antonio Amador
Andoni Madariaga
Luis Miguel Castillo
Javier De León
Fabián Stiefenhofer
Marta Almenara
Peter Hernández
Pascual
Fátima de la Rosa
Amaparo Acosta
antonio Peñalver
Clara Medina
Andrea Pérez
Pilar Acosta
Zoraida Batista

"Canarias" del autor palmero Antonio Tabares, fue representada por los alumnos de La Escuela Municipal de Teatro Pilar Rey en lulio de 2013 en el Teatro Circo de Marte como proyecto de fin de curso. Dirigida por Carlos de León, la obra es un tapíz en clave de comedia negra que retrata las situaciones más variopintas derivadas de nuestra insularidad.

Reparto:
Olga Reinoso
Antonio Amador
Andoni Madariaga
Luis Miguel Castillo
Javier De León
Fabián Stiefenhofer
Marta Almenara
Peter Hernández
Pascual
Fátima de la Rosa
Amaparo Acosta
antonio Peñalver
Clara Medina
Andrea Pérez
Pilar Acosta
Zoraida Batista


Sábado, 30 Mayo, 2020 - 21:00
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Concierto online de solistas "Día de Canarias"

Yumara Luis
Juan Martín
Israel Martín
Luis Morera

Los acompaña Carlos Martín a la guitarra.

Juliette Salcedo, voz y Brian López, guitarrra representan a la Escuela Municipal de Folclore de Santa Cruz de La Palma.

Síguelo en Facebook:
https://www.facebook.com/TeatroCircodeMarte/
https://www.facebook.com/sclapalma
https://www.facebook.com/culturasantacruzdelapalma/

Y el TV La Palma

Concierto online de solistas "Día de Canarias"

Yumara Luis
Juan Martín
Israel Martín
Luis Morera

Los acompaña Carlos Martín a la guitarra.

Juliette Salcedo, voz y Brian López, guitarrra representan a la Escuela Municipal de Folclore de Santa Cruz de La Palma.

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Y el TV La Palma


Viernes, 25 Septiembre, 2020 - 20:30

La Compañía Nómada representa la pieza de danza contemporánea Dulces Bestias, galardonada con cinco Premios Réplica de las Artes Escénicas de Canarias en su edición de 2018, que la convierte en el mejor espectáculo del año según estos premios.

La propuesta escénica de Dulces Bestias muestra una reflexión sobre la herencia animal que posee la humanidad, partiendo del uso de atributos animales para trascender su condición y superar las adversidades de la naturaleza. Roberto Torres, director y coreógrafo del espectáculo, explica que “hoy vivimos en una jungla de ruidos y asfalto, con otras dulces bestias, y de alguna forma añoramos la naturaleza, a la que pertenecemos, y de la cual cada día estamos más lejos”.

La piel con el vestuario de Yaiza Pinillos, la conexión con la Naturaleza a través de la música inédita de Samuel Aguilar, junto con la iluminación de Grace Morales, y las “bestias” en los cuerpos de Paula Quintana, Daniel Morales y Paloma Hurtado, expresan su animalidad al igual que bajan la cabeza ante el poder de la Naturaleza inmensa.

La Compañía Nómada representa la pieza de danza contemporánea Dulces Bestias, galardonada con cinco Premios Réplica de las Artes Escénicas de Canarias en su edición de 2018, que la convierte en el mejor espectáculo del año según estos premios.

La propuesta escénica de Dulces Bestias muestra una reflexión sobre la herencia animal que posee la humanidad, partiendo del uso de atributos animales para trascender su condición y superar las adversidades de la naturaleza. Roberto Torres, director y coreógrafo del espectáculo, explica que “hoy vivimos en una jungla de ruidos y asfalto, con otras dulces bestias, y de alguna forma añoramos la naturaleza, a la que pertenecemos, y de la cual cada día estamos más lejos”.

La piel con el vestuario de Yaiza Pinillos, la conexión con la Naturaleza a través de la música inédita de Samuel Aguilar, junto con la iluminación de Grace Morales, y las “bestias” en los cuerpos de Paula Quintana, Daniel Morales y Paloma Hurtado, expresan su animalidad al igual que bajan la cabeza ante el poder de la Naturaleza inmensa.


Viernes, 29 Enero, 2021 - 20:30
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'Dados' es una historia que, a través de la comedia, narra las dificultades de ser adolescente, dificultades que se incrementan si, además de adolescente, eres trans*. Muchas de estas trabas no crecen por el cambio de género en sí, sino por sentirse rechazado. Este rechazo se debe en la mayor parte de los casos al desconocimiento absoluto acerca de esta condición y a las fábulas que la rodean. También se le suman la vergüenza y los sentimientos de culpa que les genera la sociedad ante esta situación. 'X' e 'Y' no son una excepción en este viaje, sin embargo, se harán más fuertes a lo largo deesta noche. X es un hombre adolescente que trabaja en una tienda de cómics y rol; él tiene un podcast sobre estos temas que lleva anónimamente y graba desde la tienda cuando se queda solo. Un día, tras el cierre, y mientras empieza a grabar una de sus emisiones, entra un tipo que le saca como diez años (curiosamente, se hace llamar Y) un cliente que quiere comprar cómics y/o juegos de rol. Para un regalo. Dice. El encuentro, que al principio es incómodo deriva en una partida de rol, quiere probar el producto antes de comprarlo. Poco a poco, el azar de los dados desvelará un secreto vital para ambos. Autor: José Padilla Premios MAX 2019 - DADOS como Mejor espectáculo juvenil. Espectáculo Recomendado por la Red Nacional de Teatros y Auditorios Públicos. Entradas 10 euros adultos, 5 euros jóvenes

'Dados' es una historia que, a través de la comedia, narra las dificultades de ser adolescente, dificultades que se incrementan si, además de adolescente, eres trans*. Muchas de estas trabas no crecen por el cambio de género en sí, sino por sentirse rechazado. Este rechazo se debe en la mayor parte de los casos al desconocimiento absoluto acerca de esta condición y a las fábulas que la rodean. También se le suman la vergüenza y los sentimientos de culpa que les genera la sociedad ante esta situación. 'X' e 'Y' no son una excepción en este viaje, sin embargo, se harán más fuertes a lo largo deesta noche. X es un hombre adolescente que trabaja en una tienda de cómics y rol; él tiene un podcast sobre estos temas que lleva anónimamente y graba desde la tienda cuando se queda solo. Un día, tras el cierre, y mientras empieza a grabar una de sus emisiones, entra un tipo que le saca como diez años (curiosamente, se hace llamar Y) un cliente que quiere comprar cómics y/o juegos de rol. Para un regalo. Dice. El encuentro, que al principio es incómodo deriva en una partida de rol, quiere probar el producto antes de comprarlo. Poco a poco, el azar de los dados desvelará un secreto vital para ambos. Autor: José Padilla Premios MAX 2019 - DADOS como Mejor espectáculo juvenil. Espectáculo Recomendado por la Red Nacional de Teatros y Auditorios Públicos. Entradas 10 euros adultos, 5 euros jóvenes


Viernes, 13 Noviembre, 2020 - 20:30
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Danza urbana
Coreografía: Iron Skulls Co
Dirección: Iron Skulls Co
Intérpretes: Adrián Vega, Diego Garrido, Moisés “Moe”, Facu Martín Héctor Plaza “Buba”, Luis Muñoz, Agnes Sales Martín & Anna Sagrera.

No sin mis huesos (2016) es una pieza que conmemora el cuarto centenario de la muerte de Miguel de Cervantes (Abril 1616). Iron Skulls Co. revisa la biografía del escritor para influenciarse de su historia y el contexto socio-político de la España del Siglo de Oro, donde encuentran como principales temas de creación los conceptos de religión y de ejército. Esta obra parte del repertorio del Colectivo y nos traslada a un mundo onírico en el que los fantasmas y los pensamientos obsesivos toman un papel fundamental en la vida del autor, en especial, durante su estancia en Argel.

Danza urbana
Coreografía: Iron Skulls Co
Dirección: Iron Skulls Co
Intérpretes: Adrián Vega, Diego Garrido, Moisés “Moe”, Facu Martín Héctor Plaza “Buba”, Luis Muñoz, Agnes Sales Martín & Anna Sagrera.

No sin mis huesos (2016) es una pieza que conmemora el cuarto centenario de la muerte de Miguel de Cervantes (Abril 1616). Iron Skulls Co. revisa la biografía del escritor para influenciarse de su historia y el contexto socio-político de la España del Siglo de Oro, donde encuentran como principales temas de creación los conceptos de religión y de ejército. Esta obra parte del repertorio del Colectivo y nos traslada a un mundo onírico en el que los fantasmas y los pensamientos obsesivos toman un papel fundamental en la vida del autor, en especial, durante su estancia en Argel.


Miércoles, 29 Abril, 2020 - 20:30

Danza Urbana
Coreografía: Iron Skulls Co
Dirección: Iron Skulls Co
Intérpretes: Adrián Vega, Diego Garrido, Moisés “Moe”, Facu Martín Héctor Plaza “Buba”, Luis Muñoz, Agnes Sales Martín & Anna Sagrera.

No sin mis huesos (2016) es una pieza que conmemora el cuarto centenario de la muerte de Miguel de Cervantes (Abril 1616). Iron Skulls Co. revisa la biografía del escritor para influenciarse de su historia y el contexto socio-político de la España del Siglo de Oro, donde encuentran como principales temas de creación los conceptos de religión y de ejército. Esta obra parte del repertorio del Colectivo y nos traslada a un mundo onírico en el que los fantasmas y los pensamientos obsesivos toman un papel fundamental en la vida del autor, en especial, durante su estancia en Argel.

Danza Urbana
Coreografía: Iron Skulls Co
Dirección: Iron Skulls Co
Intérpretes: Adrián Vega, Diego Garrido, Moisés “Moe”, Facu Martín Héctor Plaza “Buba”, Luis Muñoz, Agnes Sales Martín & Anna Sagrera.

No sin mis huesos (2016) es una pieza que conmemora el cuarto centenario de la muerte de Miguel de Cervantes (Abril 1616). Iron Skulls Co. revisa la biografía del escritor para influenciarse de su historia y el contexto socio-político de la España del Siglo de Oro, donde encuentran como principales temas de creación los conceptos de religión y de ejército. Esta obra parte del repertorio del Colectivo y nos traslada a un mundo onírico en el que los fantasmas y los pensamientos obsesivos toman un papel fundamental en la vida del autor, en especial, durante su estancia en Argel.


Viernes, 20 Noviembre, 2020 - 20:30

El viento es salvaje (Fedra y Medea en Cádiz). LAS NIÑAS DE CÁDIZ Dos amigas. Tan amigas que son hermanas. Unidas desde la infancia por un amor y una fidelidad inquebrantables. Compartiendo todo: juguetes, ropa, cigarros, colorete… Solo una sombra sobre su amistad: “Mientras que una crecía confiada Mimada por la vida y sonriente La otra se sentía desgraciada…” Despojamos a Fedra y Medea de sus peplos y sus túnicas azafranadas, y las traemos hasta la realidad de nuestros días, convirtiéndolas en seres aparentemente grises. Solo cuando surja el conflicto asumirán de pronto una fatalidad antigua, un sino trágico bajo cuya influencia arrasarán con cuanto se interponga en su camino. De fondo, Cádiz, una ciudad de perfil macondiano, donde todos los elementos cotidianos adquieren una dimensión mágica que presagia la tragedia: el perturbador viento de levante, anunciado por la flauta del afilador y por la presencia del circo en las afueras de la ciudad, el trino de los pájaros, el comentario en voz alta de los vecinos, repetido como una letanía… Nuestro nuevo espectáculo es una reflexión lúdica y “jonda” sobre la suerte. Sobre los celos y la culpa, las pasiones y los amores prohibidos. Es una tragedia, en verso, con todos los elementos clásicos del género, pero atravesada por la carcajada, como no podía ser de otra manera en un espectáculo de LAS NIÑAS DE CÁDIZ. Porque sabemos que en toda historia terrible hay una paradoja que puede llevar a la comedia; y al contrario, en todo arranque de humor hay un fondo de tragedia.

El viento es salvaje (Fedra y Medea en Cádiz). LAS NIÑAS DE CÁDIZ Dos amigas. Tan amigas que son hermanas. Unidas desde la infancia por un amor y una fidelidad inquebrantables. Compartiendo todo: juguetes, ropa, cigarros, colorete… Solo una sombra sobre su amistad: “Mientras que una crecía confiada Mimada por la vida y sonriente La otra se sentía desgraciada…” Despojamos a Fedra y Medea de sus peplos y sus túnicas azafranadas, y las traemos hasta la realidad de nuestros días, convirtiéndolas en seres aparentemente grises. Solo cuando surja el conflicto asumirán de pronto una fatalidad antigua, un sino trágico bajo cuya influencia arrasarán con cuanto se interponga en su camino. De fondo, Cádiz, una ciudad de perfil macondiano, donde todos los elementos cotidianos adquieren una dimensión mágica que presagia la tragedia: el perturbador viento de levante, anunciado por la flauta del afilador y por la presencia del circo en las afueras de la ciudad, el trino de los pájaros, el comentario en voz alta de los vecinos, repetido como una letanía… Nuestro nuevo espectáculo es una reflexión lúdica y “jonda” sobre la suerte. Sobre los celos y la culpa, las pasiones y los amores prohibidos. Es una tragedia, en verso, con todos los elementos clásicos del género, pero atravesada por la carcajada, como no podía ser de otra manera en un espectáculo de LAS NIÑAS DE CÁDIZ. Porque sabemos que en toda historia terrible hay una paradoja que puede llevar a la comedia; y al contrario, en todo arranque de humor hay un fondo de tragedia.


Viernes, 16 Octubre, 2020 - 20:30
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El juicio que nunca se realizó

Un médico declarado culpable de homicidio, un jurado formado por miembros del público y una pantalla. Ésta es la puesta en escena de una obra que plantea un debate profundo sobre la eutanasia. Como dice el propio Dr. Hourmann, “si queremos vivir bien, ¿por qué no podemos morir bien?”

¿Qué le hizo actuar así aquella noche? ¿Una persona puede decidir cuándo y cómo morir? ¿Qué haríamos nosotros ante la llegada irreversible de la muerte?
Nueve miembros del público elegidos al azar estarán junto a él sobre el escenario. Ellos se convertirán en el jurado popular del juicio que nunca tuvo. Y ellos dictarán sentencia.
La obra alterna la narración de los hechos por los que el Dr. Hourmann fue condenado con episodios de su propia vida en su Argentina natal. ¿Pudo influir su experiencia vital en la decisión de practicar la eutanasia a una paciente?

«Sí, yo lo hice. Yo tomé la decisión, llené la jeringuilla y apreté el émbolo.
Yo inyecté el cloruro potásico. Provoqué la muerte porque creo en la vida»

El doctor condenado por eutanasia

El 28 de marzo de 2005 la vida del doctor Marcos Ariel Hourmann cambió para siempre.
De madrugada, una paciente de más de 80 años llegó al servicio de urgencias del hospital donde trabajaba. Sometida a dolores terribles, el pronóstico daba una esperanza de vida de apenas unas horas. La paciente y su hija rogaron al doctor que por favor acabase definitivamente con su sufrimiento. Y entonces Marcos, saltándose todo protocolo médico, le inyectó 50 mg de cloruro de Potasio en vena. La mujer falleció a los pocos minutos y Hourmann hizo algo que nunca antes había hecho nadie en este país: dejó escrito en el informe lo que había sucedido.
Pocos meses después, Marcos recibía una notificación del juzgado: estaba acusado de homicidio. La familia nunca lo denunció, pero sí el hospital. Aquella decisión, un acto prohibido en prácticamente todo el mundo, es un crimen por el que puede Marcos podía pasar hasta 10 años en la cárcel.
Un jurado popular debía dictar sentencia sobre su caso, pero el juicio nunca llegó a celebrarse. La fiscalía ofreció a Marcos declararse culpable, aceptar una condena menor y evitar así la prisión. De esta forma esquivó la cárcel, pero su vida se convirtió a partir de entonces en un infierno.
Repudiado por todos los hospitales españoles, emigró a Inglaterra con su mujer para empezar de nuevo. Continuó trabajando como médico hasta que la prensa británica descubrió su historia y lo bautizó como “El Doctor asesino”. Sin poder trabajar en Inglaterra volvió a España, donde la mayoría de hospitales le siguen dando la espalda. Actualmente trabaja en una pequeña mutua como médico a domicilio.
Más de 10 años después, Marcos siente hoy la necesidad de explicarse y defenderse como no lo hizo en aquel momento. Por eso ahora va a someterse a otro tipo de juicio: el del público. Con su historia va a representar una obra de teatro, en la cual expondrá lo que ocurrió y cuáles fueron sus motivos para acabar con la vida de su paciente.

¿Qué le hizo actuar así aquella noche? ¿Qué haríamos nosotros ante la llegada irreversible de la muerte?
Marcos no lo dudó, y por ello fue condenado. Ahora será el público el que emita su veredicto.

El juicio que nunca se realizó

Un médico declarado culpable de homicidio, un jurado formado por miembros del público y una pantalla. Ésta es la puesta en escena de una obra que plantea un debate profundo sobre la eutanasia. Como dice el propio Dr. Hourmann, “si queremos vivir bien, ¿por qué no podemos morir bien?”

¿Qué le hizo actuar así aquella noche? ¿Una persona puede decidir cuándo y cómo morir? ¿Qué haríamos nosotros ante la llegada irreversible de la muerte?
Nueve miembros del público elegidos al azar estarán junto a él sobre el escenario. Ellos se convertirán en el jurado popular del juicio que nunca tuvo. Y ellos dictarán sentencia.
La obra alterna la narración de los hechos por los que el Dr. Hourmann fue condenado con episodios de su propia vida en su Argentina natal. ¿Pudo influir su experiencia vital en la decisión de practicar la eutanasia a una paciente?

«Sí, yo lo hice. Yo tomé la decisión, llené la jeringuilla y apreté el émbolo.
Yo inyecté el cloruro potásico. Provoqué la muerte porque creo en la vida»

El doctor condenado por eutanasia

El 28 de marzo de 2005 la vida del doctor Marcos Ariel Hourmann cambió para siempre.
De madrugada, una paciente de más de 80 años llegó al servicio de urgencias del hospital donde trabajaba. Sometida a dolores terribles, el pronóstico daba una esperanza de vida de apenas unas horas. La paciente y su hija rogaron al doctor que por favor acabase definitivamente con su sufrimiento. Y entonces Marcos, saltándose todo protocolo médico, le inyectó 50 mg de cloruro de Potasio en vena. La mujer falleció a los pocos minutos y Hourmann hizo algo que nunca antes había hecho nadie en este país: dejó escrito en el informe lo que había sucedido.
Pocos meses después, Marcos recibía una notificación del juzgado: estaba acusado de homicidio. La familia nunca lo denunció, pero sí el hospital. Aquella decisión, un acto prohibido en prácticamente todo el mundo, es un crimen por el que puede Marcos podía pasar hasta 10 años en la cárcel.
Un jurado popular debía dictar sentencia sobre su caso, pero el juicio nunca llegó a celebrarse. La fiscalía ofreció a Marcos declararse culpable, aceptar una condena menor y evitar así la prisión. De esta forma esquivó la cárcel, pero su vida se convirtió a partir de entonces en un infierno.
Repudiado por todos los hospitales españoles, emigró a Inglaterra con su mujer para empezar de nuevo. Continuó trabajando como médico hasta que la prensa británica descubrió su historia y lo bautizó como “El Doctor asesino”. Sin poder trabajar en Inglaterra volvió a España, donde la mayoría de hospitales le siguen dando la espalda. Actualmente trabaja en una pequeña mutua como médico a domicilio.
Más de 10 años después, Marcos siente hoy la necesidad de explicarse y defenderse como no lo hizo en aquel momento. Por eso ahora va a someterse a otro tipo de juicio: el del público. Con su historia va a representar una obra de teatro, en la cual expondrá lo que ocurrió y cuáles fueron sus motivos para acabar con la vida de su paciente.

¿Qué le hizo actuar así aquella noche? ¿Qué haríamos nosotros ante la llegada irreversible de la muerte?
Marcos no lo dudó, y por ello fue condenado. Ahora será el público el que emita su veredicto.


Domingo, 4 Octubre, 2020 - 12:00

Ahora mismo, en el mundo, en este preciso momento, deben estar volando millones y millones de deseos que quieren hacerse realidad. Pedimos deseos de muchas maneras diferentes; soplando las velas el día de nuestro aniversario, viendo pasar una estrella fugaz, soplando una pestaña, tirando una moneda a un pozo o soplando una flor de diente de león. Deseamos muchas cosas, en muchos momentos nuestra vida, pero .. donde van a parar estos deseos? Se cumplen? Quién los hace posibles?

En Blowing viviremos el viaje de una pequeña espora que tiene una misión, cumplir el deseo de la Yuri. Un viaje a través del viento, lleno de aventuras y situaciones en las que encontraremos las respuestas a todas estas preguntas .. o no! Un espectáculo visual, poético e innovador, donde la danza, la música en directo y la tecnología nos invitarán a volar por un mundo fantástico, mágico y absurdo.

Edad recomendada a partir de 6 años.

Ahora mismo, en el mundo, en este preciso momento, deben estar volando millones y millones de deseos que quieren hacerse realidad. Pedimos deseos de muchas maneras diferentes; soplando las velas el día de nuestro aniversario, viendo pasar una estrella fugaz, soplando una pestaña, tirando una moneda a un pozo o soplando una flor de diente de león. Deseamos muchas cosas, en muchos momentos nuestra vida, pero .. donde van a parar estos deseos? Se cumplen? Quién los hace posibles?

En Blowing viviremos el viaje de una pequeña espora que tiene una misión, cumplir el deseo de la Yuri. Un viaje a través del viento, lleno de aventuras y situaciones en las que encontraremos las respuestas a todas estas preguntas .. o no! Un espectáculo visual, poético e innovador, donde la danza, la música en directo y la tecnología nos invitarán a volar por un mundo fantástico, mágico y absurdo.

Edad recomendada a partir de 6 años.


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